刊載於《大觀》雜誌 154 期的〈飛驚圖寫——卜茲藝術展〉一文，實則源自 2022 年異雲書屋出版之同名展覽圖錄。該文以展出之《草書千字文》冊頁為名，簡要梳理了卜茲生平，並收錄《左思 三都賦》、《臥春風》及《羲之太常帖》等 7 件代表作之圖片與釋文。
儘管該資料由異雲書屋主理人陳維駿先生編撰，且附有年表與出版清單，但其篇幅僅 24 頁，內容側重於作品的基礎導覽與特色陳述，較少觸及深層的學術辯證或理論建構。因此，對於欲深入鑽研卜茲藝術思想的研究者而言，此二資料應視為展覽紀實的輔助佐證，在核心論述的引用上可適度精簡。
卜茲，陳維駿總編輯，《飛驚圖寫》，臺北市：異雲書屋，2022年。
文/陳芳儀
我可以一天不吃飯，但不能一天不喝茶。
在許多人的記憶裡，潘燕九（1924–2018）總是以蓄著山羊鬍、白髮束成髻的古雅形象出現，彷彿是從武俠小說中走出來的隱士。
對他而言，茶從來不是一種消遣，而是一場橫跨九十五年的修行。這段故事的起點，要追溯到他十歲那年的一段奇緣，那時的一枚種子，讓「武夷仙茶道」自此成為他理解世界的終極方式。
（圖片來源：池宗憲，〈仙茶道掌門人——潘燕九〉，《行遍天下》，第4期，1992年，頁80）
十歲那年的「仙緣」，開啟了隱世修煉
十歲那年，他因緣際會遇見一位自稱茅山派修行者的道長，號無妙子。道長向他談起一套相傳源自彭祖、經武夷真君傳承的「武夷仙茶道秘訣」，並將其視為可供修行的人生法門。
這段經歷聽來宛如武俠小說的開場，但對潘燕九而言，卻是一顆被珍藏一生的種子。
其後他經歷戰亂與流離，1949 年來到臺灣，現實生活與「仙茶」二字一度相距甚遠。然而少年時期的記憶，始終在心中佔有一席之地。
據其自述，白日裡，他在美軍顧問團相關單位工作；夜晚與假日，他出入故宮博物院、歷史博物館，在書畫、碑帖與金石之間沉潛。這段長期自我淬鍊的過程，未必張揚，卻逐漸內化為他的審美底蘊，也精進了他在篆刻、國畫與書法上的造詣。
多年後，他的篆刻作品《拾痕憶舊錄》入選第六屆全國美展，成為長期耕耘的一枚註腳。
潘燕九，〈仙茶道印〉（朱）。（圖片來源：潘燕九，《茶仙潘燕九刀書茶趣別冊》，臺北：潘燕九，1988年，頁3）
九種技藝，一種生活方式
潘燕九常以「九絕」自況，將茶、詩、書、畫、印、雅石、插花、收藏、焚香視為一體。在他眼中，這並非才藝的堆疊，而是一種整體生活的實踐。
他陸續自費出版《刀書茶趣》、《吳門散士篆刻刀法示範印譜》，並非為了名利，更像是與同好間的誠懇對話。
這份對傳統文化的守護，讓他於 1999 年榮獲中華民國資深青商會主辦的「全球中華文化藝術薪傳獎」綜合技藝獎（國內組）。對他來說，這不是退休的紀念，而是創作馬拉松的一個站點。
即便步入九旬高齡，他的創作腳步依然輕盈：1997 年以《坪林春色》榮獲全國文藝季總冠軍；2010 年，86 歲的他仍投入揮毫義工，竟能一天送出 百支絹扇與民結緣；直到 2015 年，91 歲的他仍穿上道衣，在古箏伴奏下演繹仙茶道。
潘燕九，《坪林春色》。(圖片來源：苕茗，〈臺灣「土城桐花茶會」〉，《農業考古》，第4期，1998年，頁84）
潘燕九，〈治印自家傳〉（朱）、〈十歲就愛碧螺春〉（朱）。（圖片來源：潘燕九，《吳門散士篆刻刀法示範印譜》，臺北：潘燕九，1971年，頁11）
（圖片來源：中國蘭亭書法節編委會編，《一日千載：中國蘭亭書法節1985-2011（三）》，浙江：西泠印社出版社，2012年，頁20）
當茶走進餐桌：一場味覺的實驗
若說「仙茶道」帶有某種玄遠氣息，那麼他將茶入菜的嘗試，則更貼近日常。
在多數人仍將茶視為單純飲品的年代，他便開始思考：茶葉是否也能成為食材？
他運用文人的審美與對茶性的理解，揮毫寫就《茶餚譜》，將茶性化為料理靈魂。而將這些詩意構思轉化為餐桌佳餚的，則是他的夫人王秀蘭女士。兩人默契十足，一位賦予菜色美學深度，一位展現精湛廚藝，重新定義了餐桌的可能，讓茶從孤高的品飲轉化為可食、可共享的日常風景。
其中最驚艷四座的，是將故鄉蘇州的「碧螺春」揉入西式披薩，清幽茶氣與濃郁起司、酥脆麵皮在口中交織，竟意外達成平衡。隨後，凍頂豆腐、龍井蛤蜊湯、香片蒸魚等菜色相繼問世。
隨著 1986 年媒體的大篇幅報導，這股「茶餚旋風」吹進了影視螢光幕，潘燕九多次受邀於電視專題中，由他闡述茶菜底蘊，並看著夫人王秀蘭在鏡頭前揮鏟示範，將原本帶苦的茶葉魔幻地轉化為百味珍饈。
（圖片來源：潘燕九，《茶餚譜》，臺北：游藝館工作室，年份不詳，頁1）
（圖片來源：曾至賢，〈茶菜專題 吃茶菜過好年 午夜飯在傳統中創新〉，《中國時報》，1989年2月3日，15版）
從「茶痴」到「茶仙」的豁達人生
面對外界給予的各種頭銜，潘燕九最喜歡的，仍是太太替他取的那個暱稱——「茶仙」。這個稱呼，帶著一點玩笑，也保留了距離。
他並不諱言，關於「仙茶道」的系譜與源流，在學術脈絡中或許存在不同說法。但對曾親眼看過他泡茶、焚香、與石對坐的人來說，那是一種不依賴名號的狀態。
他自號「百碗天目富翁」，收藏上百只天目茶碗，卻從不吝於取出使用、與人分享。他口中的人生理想，不過是「懶散」二字——不是懶惰，而是不被功利牽引，讓美自然地滲入日常。
（圖片來源：茅山無妙子、潘燕九，〈武夷真君仙茶道秘笈〉，《農業考古》，第4期，1998年，頁199）
結語：把日子過成一盞茶
潘燕九於 2018 年辭世，享年95歲。
他留下的，未必是一套可被完整複製的「仙茶秘笈」，而是一種觀看生活的方式。
在節奏飛快的當代，我們或許無法像他那樣橫跨詩、書、畫、茶的多重領域，但或許可以從一杯茶開始：暫時放下手機，聞一聞茶氣的起伏；在廚房裡，為一道家常菜加入一點不同的想像。
也許，所謂的修行，不在山林，而在日常。
參考書目
1.范增平，《台灣茶人採訪錄》，臺北：萬卷樓圖書，2002年，頁222-233。
2.張宏庸，《台灣茶藝發展史》，臺中：晨星，2002年，頁281-301。
3.池宗憲，〈仙茶道掌門人—潘燕九〉，《行遍天下》，第4期，1992年，頁80-82。
4.潘燕九，《茶餚譜》，臺北：游藝館工作室，年份不詳。
5.新聞資料：《民生報》、《中國時報》、《聯合報》文化專欄與專題報導，1986-2015 年。
用《茶仙潘燕九刀書茶趣》印譜2分鐘簡介潘燕九YouTube影片：https://youtu.be/N7j2rbvQHAk
《句句有梗的西洋藝術小史：藝術史很難嗎？有梗就不難，腦補3萬年藝術史框架，迅速提升看展力》屬於「句句有梗的藝術小史」系列之一。作者意公子（吳敏婕），為 YouTube 頻道《藝術很難嗎》與《意公子》的主講人，並創辦「意外藝術」，長期致力於藝術普及與推廣。
整體內容主打把藝術變得不那麼有距離感，透過重點標示和生活化的說法，幫助讀者快速抓到藝術史的重點脈絡，讓原本對藝術不熟的人，也能在短時間內建立基本理解。
作者強調：「我們常被『藝術』二字嚇倒，覺得它高高在上，但其實藝術並非外星人丟到地球的包裹，而是一代代藝術家用作品推動發展的精神產物。」這段話精準定調了全書的核心精神：讓藝術回歸生活經驗的延伸，而非難以跨越的知識堡壘。
會想要寫心得的主要原因是，書中視覺呈現與內容編排上表現出色，為讀者鋪設了一條極具「可讀性」的學習路徑。
全書排版鮮明、配色活潑，結合精美的經典畫作、詳實的圖片出處與醒目的黃色重點標記，使嚴肅的史料也能讀來生動不艱澀。
作者舉出孩子玩玩具恐龍或在牆上寫下「某某某是豬」的心理，說明「象徵即真實」的邏輯。當讀者回到阿爾塔米拉洞窟壁畫時，自然能秒懂：畫下動物並加以攻擊，其實是希望在現實獲得勝利的心理投射。
此外，書中對希臘神話的整理亦令人印象深刻。原本繁複紛亂的神祇關係，被濃縮為三大重點：「神的起源、王位爭奪，以及宙斯的情史」。在談及宙斯情史時，作者巧妙連結提香的《達妮》，生動解說宙斯化身黃金雨的典故。這種以畫作為記憶錨點的敘述方式，使經典名畫不再只是靜態的背景，而成為一段段容易記憶、充滿戲劇性的故事。
當然，這些優點同時也構成了本書的必然侷限。為了追求趣味性與入門友善，作者在論述上大量採用高度簡化的說法，加上全書從藝術起源談起，依序介紹文藝復興、巴洛克、洛可可與新古典主義、矯飾主義、印象派，以及二十世紀藝術等重要階段，雖然涵蓋面向廣泛，但每個章節皆刻意壓縮至「剛好能理解」的深度。書中不以完整的學術論證為目標，而是強調「先建立概念，再逐步深化」。這樣的策略對初學者而言無疑是一大優勢，但對已有藝術史基礎的讀者來說，可能會感到內容深度稍顯不足。
須補充一點，書中使用的是中國慣用語彙，出版社並未進行在地化調整，這點在閱讀時相當明顯，可能會影響部分讀者的語感流暢度。
總結而言，這並非一本取代系統性藝術史學習的工具書，而是一個適合初學者踏出的起點。它以輕鬆而有節奏的方式陪伴讀者建立基本理解，並在不知不覺中，完成從「覺得藝術很難」到「敢走進美術館看展」的角色轉換。
《句句有梗的西洋藝術小史》。（攝影/陳芳儀）
先說結論：如果你完全沒有學過畫畫，甚至連攝影都未曾接觸，只是希望透過書本學習基本繪畫技巧，我會更建議直接向專業老師學習，無論效率或成效都更為明確。
當然，閱讀這本書仍然能有所收穫，只是實際效果因人而異，因為本書真正著力的並非技法本身，而是作者所提出的一套「感知技巧」理論。
《像藝術家一樣思考》主要討論的是「感知」。作者將其整理為五項感知技巧，並提出一條她稱為「通用策略」的思考路徑。這條通用策略，與書中反覆出現的「左右腦理論」密切相關：語文性、分析式的左腦（L 模式），以及視覺性、感知性的右腦（R 模式）。
作者認為，透過繪畫訓練所培養的是一種能在 L 模式與 R 模式之間切換的「雙生技巧」。這種能力不僅能應用於繪畫，也可以轉移到日常生活中的思考方式與問題解決之中，成為更廣義的思考訓練。
書中提出的五項感知技巧包括：
一、感知邊緣（看見一個事物結束，另一個事物開始的地方）；
二、感知空間（留意物體周圍與外部的空間關係）；
三、感知關聯性（透過比例與透視理解物與物之間的相對位置）；
四、感知光線與陰影（辨識明暗與色調的變化）；
五、感知完形（看見整體與組成部分之間的關係）。
其中，前四項技巧需要透過明確的練習與引導來建立，而第五項「感知完形」，則被視為前四項技巧高度專注後浮現的結果。
作者指出，多數人長期處於左腦主導的狀態，因此她設計了如「顛倒畫」這類的練習，藉由讓左腦無法順利分析圖像，迫使思考模式轉換。她如此說明：「為了進入右腦，必須提出一個左腦會拒絕的任務」這正是她所強調的「思考模式轉換訓練」。
以繪畫作為訓練思考模式切換的工具，對我而言是一個新鮮且具啟發性的切入點。
無論是藝術創作或設計發想，最終都離不開「創意」，而創意往往並非源於技巧本身，而是思考方式的不同。例如安迪・沃荷（Andy Warhol）的《康寶湯罐頭》（Campbell’s Soup Cans, 1962），在技術層面並不複雜，卻因他將大眾熟悉的商品轉化為藝術語言，而成為劃時代的創作，其關鍵正是思考視角的轉換。
在閱讀之前，我原本以為這會是一本分析藝術家如何思考的書，但實際上並非如此。書中更著重於感知理論與訓練設計，而非藝術史脈絡或創作者個案分析。
值得一提的是，書中提供了如觀景窗等輔助工具，對藝術零基礎的讀者而言，確實降低了進入門檻，也為觀察方式開啟了一個新的入口。作者反覆強調：畫畫並非天分專屬，而是一套可以被學習與訓練的能力。
雖然我個人對書中大量倚重「左右腦理論」的詮釋仍持保留態度，認為其科學連結與論證略顯牽強，但這並不完全削弱書中感知訓練所帶來的啟發。對於希望重新校準觀看方式、訓練視覺敏感度與觀察力的讀者而言，這本書仍然是一個有意思、也值得嘗試的起點。
《像藝術家一樣思考》封面。（攝影/陳芳儀）
2022年在臺北舉辦的「挑戰：安藤忠雄展」曾讓我深受震撼。尤其在展場中看到「光之教會」的縮小版本時，那種直擊心底的感動令我想更深入認識這位以清水混凝土和光線著稱的建築家。
這本《安藤忠雄：我的人生履歷書》以多篇散文編成，讀起來像是他向讀者娓娓道來的人生小史。對於中文世界的讀者而言，是一部不錯的安藤入門書；如果再搭配展覽手冊或圖錄一起讀，會更容易拼湊出他作品與人生經驗之間的連結。
安藤忠雄，1941年出生在大阪。因為母親朝子是獨生女的關係，他一出生就被送到外婆家當養子繼承家業。
安藤忠雄在舊社區成長，住宅四周被棋盤、鐵工、木工等各式工廠環繞。他偶爾會被叫去幫忙，親身接觸到那些自尊心極高、脾氣火爆的大阪匠人。
儘管是在外婆的疼愛下長大，安藤自述自己從小是個愛打架、不聽話的孩子，成績不好，但熱愛體育和戶外活動。我想，他那種鮮明的個性和火爆的脾氣，應與身邊這些充滿生命力的匠人脫不了關係。
書中一段特別讓我印象深刻，安藤談到自己年輕時曾挑戰職業拳擊，僅用一個月就拿到羽量級執照；但看到原田政彥練習的姿態後，他又能果斷放棄。這種「極度投入、極度果斷」的特質，彷彿就是他的個人標記。
在拳擊場大約一年半的時間，教會他「與敵人交手要戰鬥到極限」、把身體練到極致，面對恐懼及減重的痛苦中持續奮戰。
就好比他半工半讀，利用午休時間自學考過一級建築師檢定。
1965年，他展開人生第一次建築旅行，一去就是7個月。在沒有網路的年代，完全靠紙本資訊與觀察，勇氣之大、成本之高，讓人難以想像，同時這也是令我非常欽佩的地方。
安藤的作品中，除了「光之教會」之外，我還喜歡「住吉長屋」和「庫巴哈美術館」（Stone Sculpture Museum, Bad Münster am Stein-Ebernburg）。
「住吉長屋」是安藤的第一個作品，1979年獲日本建築學會賞。原本的長屋切成三等份，中間設計了一個露天中庭，是為了讓光線、風等自然元素都能透過這個中庭進到屋內。
在當時有限的預算下，這棟房子沒有裝設空調。安藤認為這是一種「自然的」生活方式：冷了就多穿一件，熱了就脫下來。
當時，評審開玩笑說：「姑且不論建築的好壞，該得獎的不是建築師，而是有勇氣住在裡面的住戶！」這棟建築，顯示了安藤對自己建築哲學的堅持，也是我喜歡住吉長屋的主要原因。
在安藤眾多作品中，庫巴哈美術館背後的故事非常吸引人。
1995年，庫巴哈夫婦透過介紹找到了安藤，他們希望能在德國蓋一座美術館，不過一直卡在資金問題久久未能解決。然而，這對夫婦多年來都沒有不放棄，持續寫信、奔走。之後，他們成立了小小的財團法人，結合當地村民與志工，一點一滴地將老木屋改造成了庫巴哈美術館。
短短的章節，小小的美術館，卻是花了10年才竣工。雖然在建築界來說並不罕見，但是庫巴哈夫婦的意志力與熱忱才是最可貴的。
本書的亮點在於散文式的書寫方式，使閱讀過程輕鬆而不艱深；加上精裝設計、彩色圖版與貼心的書籤帶，整體閱讀體驗不錯，也非常適合作為入門書。
不過，章節篇幅普遍偏短，有些故事像為了頁數而刪減掉了一樣，尤其在讀過《安藤忠雄的都市徬徨》後，這種感覺更為明顯。
例如，在《安藤忠雄的都市徬徨》中，安藤形容普立茲先生是「老紳士」，畢卡索則是「大猩猩」。通常見到某個人時，安藤會描寫第一次見面的印象，而在《安藤忠雄：我的人生履歷書》則是幾乎沒看到。
《安藤忠雄：我的人生履歷書》不像厚重的建築理論，而像是一部安藤以第一人稱說給我們的生命速寫本。
能從中看到安藤忠雄鮮明的個性，從愛打架的少年、職業拳擊手，到後來靠著強大意志力自學建築、走遍世界的旅人。他用自己的人生軌跡證明了：建築不只是一門技術，更是意志、覺悟與親身經驗的總結。
《安藤忠雄：我的人生履歷書》封面。（攝影/陳芳儀）
本書是一部介於旅行札記與思考筆記之間的書稿，帶著濃厚的感性視角，也隱含著對建築師形塑自身世界觀的過程。
雖然是記錄1965年至1992年，但實際上內容多聚焦於安藤忠雄人生早期的兩段關鍵旅程－－1965年與1968年。他的旅行往往一待就是數月，光是閱讀他的描述，就足以讓人心生嚮往，想以同樣的步伐重新踏上一趟屬於自己的建築之旅。
除了城市風貌，他筆下對人物的描寫也極巨魅力。安藤忠雄的觀察直接、鮮明，人物彷彿在他的速寫式文字中立體了起來，讓人得以瞥見那些傳奇人物不為外人所見的一面。
例如1965年他第一次見到畢卡索時心想：「原來那就是畢卡索啊，怎麼會是個像頭大猩猩的老頭呢？」這並非冒犯，而是他從畢卡索與其作品中感受到那股近乎野性的創作能量——彷彿源源不絕地在體內沸騰。
時間推到1980年左右，他對開高健的第一印象則是「像熊一般的男人」，兩人的對話氛圍十分不真實，彷彿進入某種日本輕小說的狀態。
面對理查．塞拉（Richard Serra），安藤忠雄則說他那張臉就像他所造的牆壁，令人覺得他是擁有強烈意志的硬漢。1991年，他受邀造訪普立茲家族的春季寓所（猜測應為約瑟夫．普立茲三世Joseph Pulitzer Jr.），安藤則形容他是一位「老紳士」。
而在1968年，透過赤坂「Mugan」結識了友人，他意外認識了披頭四。他形容：「他們的音樂雖然像是某種噪音，但勞動階級出身的他們，為誰而唱所展現出的那種表情與態勢使人們動了起來，他們改變了過去的風格，甚至成為一種分裂舊社會的力量，他們超越了本身的歌唱世界，讓我見識到了寬闊而深刻的東西。」
從這段話中，不難看出安藤忠雄即便面對自己不熟悉、甚至初聽不喜歡的事物，仍保持開放與好奇。他不排斥、不武斷，而是試著理解其背後的文化力量——這正是他觀察世界的方式。
安藤忠雄去過不少地方旅行，其中我最好奇的是由西蒙·盧地亞（Simon Rodia）設計和建造，位在美國洛杉磯的華茲塔（Watts Towers）。華茲塔從1921年開始建造至1954年，耗時33年完工，是一座毫無實用性、非主流的素人藝術。從照片上看華滋塔會覺得非常有未來感，像是電影《銀翼殺手》（Blade Runner）中類似於電台或訊號塔之類的東西。
全書以建築旅程為軸，穿插著對人物、城市、創作的觀察，你可以把它當作旅行誌、建築思考筆記，也是理解安藤忠雄如何形塑世界觀的入口。
讀後我深刻感受到安藤忠雄的建築並不是從圖紙開始，而是從一次又一次的踏進城市、凝視人物、理解他者的經驗裡長出來的。而且，還有一種強烈的旅遊渴望，我感受到的不只是文字，更像是陪著他走過一次關於世界、關於自我、也關於創作本質的探索之旅。
《安藤忠雄的都市徬徨》封面。（攝影/陳芳儀）
《破解米開朗基羅》是一本兼具藝術欣賞與知識普及的書。
最引人注目的地方是它高質感的編排——精緻的裝幀、高清的圖片與舒適的排版，光這三點便值得入手收藏。其中我最喜歡的部分是照片的選用，尤其《大衛像》側臉與手的局部特寫，整體畫面中透露出一種清冷的美感。
書中附有年表和主要作品表。主要作品依時間軸呈現，清楚勾勒出米開朗基羅的重要藝術軌跡，是本書的優點之一。
《創世紀》投入大量篇幅介紹，細緻說明作品的創作動機、歷史背景與藝術細節。對於即將參觀西斯汀禮拜堂的讀者而言，這部分的內容就像是貼心的導覽與重點整理，能幫助讀者在親臨現場時獲得更深的感受與理解。
蔣勳，中國文化大學史學系與藝術研究所畢業，1972年赴法國進修，就讀巴黎大學藝術研究所，長年專研中西藝術史與繪畫創作。他的文字風格是本書的另一亮點。序文以散文筆調鋪陳，正文則帶有「英翻中」第三人稱敘述的語感，如〈奶媽是石匠的妻子〉（頁31）中所寫：
「近代的精神分析學常以達文西和米開朗基羅童年時母親的缺席來解釋他們藝術創作領域對女性的態度，或潛意識裡性傾向的特徵。
近代精神分析學是否準確解讀創作者的內心世界，或許還有爭議。
達文西與米開朗基羅在性傾向上都是同性戀者……」
這段文字雖然切入新穎，但篇章主題稍顯游離。文末蔣勳再次強調「精神分析介入創作領域的解讀是近代的事，或許還有許多爭議之處」，我個人認為此類討論若能附上出處或相關參考文獻，會更具說服力；若無充分依據，或許不納入正文亦無妨。
〈關於沙弗納羅拉〉中如此寫道「米開朗基羅靜靜思考著，他關心的已不只是雕刻，不只是藝術，不只是美，而是潛在人性深處複雜的多元矛盾……」，這段文字帶出了蔣勳對米開朗基羅在轉折的詮釋，以敘事筆法重構藝術家的心理歷程，使讀者彷彿能看見他掙扎的身影。不過，這樣的描寫雖具有文學張力，卻也帶有作者主觀想像的成分，若能輔以史料或作品分析，將更提升詮釋的深度與論證力度。
整體而言，《破解米開朗基羅》以平易近人的筆調和美輪美奐的圖像，成功拉近了讀者與藝術大師之間的距離。蔣勳的文字細膩、富感染力，但闡述層面略顯個人化。若能在論述與資料之間取得平衡，並於末尾附上參考書目將更加完善。
《破解米開朗基羅》封面。（攝影/陳芳儀）
本書榮獲中華民國七十四年藝術創作金鼎獎，內容扎實、圖文兼具，非常推薦給篆刻初學者。
書中圖文比例恰當，圖片清晰且附釋文說明，提升了閱讀的理解與效果。例如〈貳、釋源篇〉從古鈢談起，延伸至清代篆刻的演變；而〈参、釋藝篇〉則深入探討篆刻章法，結合理論與實例，使讀者能透過圖文對照，更快速掌握篆刻的核心概念。
在〈肆、釋印篇〉圖片的輔助尤為突出，搭配實際圖片能幫助讀者更直觀地理解印材、形制與工藝，同時補充了專業名詞，如相石、開胚、修細、磨光、開絲等，使內容更具實用性。
早期《篆刻述要》第九章〈宗派〉，在本書改為〈陸、釋士篇〉，內容包含創作者簡介、代表印蜕與邊款，讓讀者能更全面了解歷代篆刻家的風格與特色。
個人覺得〈壹、釋名篇〉與〈伍、釋文篇〉可考慮合併，因為兩章都談到篆書的歷史與演變，內容略有重疊。不過，整體編排依然條理清晰，閱讀上毫不吃力。
附錄收錄陳昭貳〈北岳先生的生活態度〉、黃勁挺〈拓墾篆刻天地的園丁——王北岳先生〉兩篇文章，並附王北岳書法與篆刻作品欣賞，讓讀者能從書印合一的角度，進一步理解其創作精神與藝術理念。
總結
《中華之美系列——篆刻藝術》可說是《篆刻藝術的欣賞》的進階升級版。全文以圖帶文，內容更豐富完整，圖文與表格輔助得當，使篆刻的歷史、理論與技法都能清晰呈現。這本書不僅適合篆刻初學者入門，也適合對印學文化有興趣的讀者細品與收藏。
《中華之美系列——篆刻藝術》封面。（攝影/陳芳儀）
《篆刻述要》是關於篆刻要義的概述或篆刻扼要的敘述，偏向整理、歸納與重點性介紹。比較推薦從實作進入理論、欲深化篆刻理解的藝術創作者、愛好者或研究者。
王北岳《篆刻述要》以文字說明為主，輔以黑白插圖與彩色印蜕圖版。然而，印蜕部分並未標示尺寸、釋文、出處與藏地等資料，對於研究或臨摹者而言略顯遺憾。
若讀者對書法或篆刻毫無基礎，閱讀本書可能會感到吃力。部分章節僅以文字說明，缺乏圖像輔助，例如第六章〈選材〉。或相關圖示呈現不方便，如第七章〈攻治〉在講述持刀方法時，相關的圖示則在第十章。
附錄一〈篆刻章法舉例〉共列出十三種章法，雖然具參考價值，但可惜沒有文字說明與解釋。
相較於王北岳另一部著作《篆刻藝術的欣賞》，本書新增了〈宗派〉，介紹文何、徽派、浙派、皖派以及晚清以來的重要印派，本章令人惋惜的是無附任何圖片。
值得參考的部分或許在附錄三〈參考書目〉。作者將參考資料分為三類：印譜、印書與文字參考書籍。印書如《篆刻學》、《篆刻入門》、《槐堂摹印淺說》、《鈢印通釋》、《歷代印章概說》、《皇帝的印璽》等；文字參考書籍則包含《甲骨文編》、《續甲骨文編》、《古文聲系》、《說文古籀補》、《說文古籀補補》、《說文古籀三補》、《金文編今文續編》、《石刻篆文編》、《古匋文孴錄》、《匋文編》、《古籀彙編》、《古篆文大字典》、《中國書法大字典》、《璽印文字徵》、《漢印文字徵》、《印文學》、《金石大字典》、《隸辨》、《說文解說詁林》、《說文解字註》、《篆法探源》等。
總結
《篆刻述要》是一部重點概述篆刻的書籍，它不以圖解為主，以文字引導讀者理解篆刻的觀念、方法與歷史脈絡。對於有基礎的讀者來說，是一本能提升、梳理知識脈絡的讀物，但若能再補足圖例與圖解，將更臻完善。
《篆刻述要》封面。（攝影/陳芳儀）
篆刻藝術不僅是印章技藝的展現，更是中國書法、雕刻與文化史交織的成果。王北岳的《篆刻藝術的欣賞》兼具知識性與藝術性，對初學者而言，應是一本帶領讀者進入篆刻世界的起點。
王北岳（1926–2006），名澤恆，字北岳，號子蒼。被譽為臺灣篆刻收藏第一人，精於治印、作書與收藏，並積極推動篆刻教育與出版，堪稱全方位的印人，影響深遠。
與薛平南所著《篆刻》相比，我認為由行政院文化建設委員會出版的《篆刻藝術的欣賞》更適合一般讀者閱讀。全書僅64頁，本書雖未按朝代分章，但仍涵蓋特定時期的重要內容，讓人對篆刻的源流與演變有清楚的認識。
書中彩圖精美，內容涵蓋章法、刀法、筆法、整體美感與印材。其中第四節〈整體之美〉著重於印譜。在〈筆法之美〉一章中，王北岳強調「以書入印」的觀念，說明書法如何融入印面與邊款之中。值得注意的是，本書並未依「邊款」、「印鈕」、「印譜」等篆刻構成元素逐一分章，而是以「藝術欣賞」為導向，將篆刻置於更廣闊的美學脈絡中。
書中圖片種類繁多，既有不同形式的印鈕與器物，也收錄碑拓與各類印材，兼具藝術觀賞與史料參考的價值。其最大特色在於能清晰勾勒篆刻發展的脈絡。作者從中國四大發明談起，指出雕刻印章與雕版印刷的關聯：刻印即是雕版印刷所用之槧板，而鈐拓印章則可視為小型的印刷術。藉此將篆刻與文化史相聯繫，幫助讀者以宏觀視角理解篆刻的文化意義。
整體而言，《篆刻藝術的欣賞》優點在於：名詞解釋與起源交代清楚、彩圖精美，且能凸顯篆刻之美的特質。這使其成為一本兼具入門性與欣賞性的篆刻小冊。
《篆刻藝術的欣賞》封面。（攝影/陳芳儀）
